JOAKIM ALLGULANDER

Die Landschaft als Sinnbild

 18.März – 20.April

Wir freuen uns, Ihnen den schwedischen Künstler Joakim Allgulander erstmalig in unserer Galerie präsentieren  zu dürfen.

Die Ausstellung wird bis einschließlich 4.Mai verlängert !

Ausstellungsdauer:

18. März – 4.Mai

Wir freuen uns auf Ihr Kommen!

Öffnungszeiten

Mo-Fr 9 – 13 und 14 – 18 Uhr

Sa 10 – 13 Uhr

1965                   geboren in Stockholm

1985 -1986       Malereischule  von Ölland

1986 – 1989     Studium und Ausbildung an der  Konstfack, Staatliche Universität für Kunst und Design in Stockholm

2002 -2003       Universität Uppsala (Visby

Joakim Allgulander gab 1994 sein Debüt als Künstler im Olle Olsson-Haus in Solna, zunächst als Bildhauer und Installationskünstler. Er arbeitete hierbei mit einer Vielzahl von Materialien und Techniken.

Dem schwedischen Publikum ist er vielleicht am besten für seine limitierten Auflagen von Lithografien und Siebdrucken bekannt.

Ein Umzug nach London im Jahr 2013 gab Allgulander die Möglichkeit, seinen künstlerischen Ausdruck in neue Richtungen zu entwickeln. Sein Werk wurde in dieser Phase von einem internationalen Publikum entdeckt und mit Ausstellungen und Kunstmessen in Hongkong, Basel, Miami und New York ist Allgulander nun international etabliert. Der Künstler stellte auch in seiner früheren Heimatstadt London in der Royal Academy of the Arts und der Saatchi Gallery aus.

Joakim Allgulander lebt heute in Perinaldo, einem Bergdorf in Norditalien, wo die meisten der ausgestellten Werke entstehen. Zu den wichtigsten Ausstellungen und Aufträgen der letzten Jahre gehören „Right Here Right Now“, Saatchi Gallery London (2021), Positions Art Fair, Berlin (2021),
E/AB Fair, New York (2021), Untitled Art Fair, Miami Beach (2020), „Exile on East Street“, Fiumano Clase, London (2020), Sommerausstellung in der Royal Academy, London (2020), VOLTA, Basel (2019),
Art Central, Hongkong (2019) und Teil 1 & 2 eines großen Auftrags für das Dorchester Hotel, London.

Die Landschaft als Sinnbild

In meinen Gemälden, die ich auf gewisse Weise ebenso als Objekte oder sogar Skulpturen sehe, kehre ich immer wieder zur Landschaft zurück; es scheint unvermeidlich. Ich denke, das hat damit zu tun, dass ich in der Nähe der Natur aufgewachsen bin und dass sie etwas repräsentiert, das größer ist als das Leben selbst. In meinen Gemälden verwende ich die Landschaft als Leitfaden für etwas Emblematischeres oder Abstraktes. Eine Nahaufnahme einer Blume mit ihren Formen und Volumina verwandelt sich je nach den verwendeten Farben oder wenn man Proportionen oder Größe ändert, in etwas anderes. Mich interessieren immer mehr die abstrakten Qualitäten, die Farben, die Textur in einem Gemälde; die figurativen Elemente dienen als Leitfaden für die Komposition oder als etwas, gegen das man arbeiten kann.

In den Lilienvariationen habe ich ein Foto, das ich vor ein paar Jahren gemacht habe, als Referenz verwendet und verschiedene Abschnitte davon genommen und die Proportionen in der Zeichnung verändert und dann in drei verschiedenen Farbschemata und Texturen gemalt, um etwas zu schaffen, das mehr mit dem Akt des Malens zu tun hat als nur eine Blume zu malen. Mich interessieren nicht einmal Blumen, für mich sind sie Formen und Farben und etwas, das das Licht sehr schön trifft. In der Violetten Lilie habe ich bewusst fast monochrom in Farben gemalt, die sehr wenig mit ihrem Aussehen im wirklichen Leben zu tun haben, sondern eher wie ein altes, gebleichtes Foto – oder eine Erinnerung. In der Schwarzen Lilie, die auf eine fast cartoonhafte Weise abstrahiert ist, habe ich sehr dunkle Farben verwendet, um Licht durch Kontraste zu erzeugen; auch die Oberfläche ist in diesem Fall sehr flach wie ein Muster oder ein Logo. Die Weiße Lilie ist diejenige, die am ehesten einer echten Lilie ähnelt, aber die Größe des Gemäldes und die Proportionen darin verleihen ihr ein unrealistisches Plastikgefühl, fast aufdringlich. Aber schön.

Die Druckgemälde
Blue Shade ist ein Gemälde, das in einer Art Monotypie-Methode zusammen mit Malerei hergestellt wurde. Ursprünglich inspiriert von den portugiesischen Azulejos, den blau glasierten Fliesen. Die Gemälde werden als Raster angefertigt, wobei jedes Quadrat ein Teil eines großen Bildes ist und auf Rohleinwand gedruckt wird, die dann grundiert und bemalt wird. Diese Methode gibt mir sehr wenig Kontrolle darüber, wie die gedruckte Farbe in jedem Abschnitt erscheinen wird, wenn sie in die Leinwand eindringt, und es ist auch sehr ähnlich der Art und Weise, wie man Keramik glasiert; die gleiche Unsicherheit über das endgültige Ergebnis. Eine weitere Ähnlichkeit besteht darin, wie digitale Pixel ein Bild aufbauen. Auch hier geht es mehr um das Gefühl einer Landschaft und nicht um die Landschaft selbst, an der ich interessiert bin, auch wenn die Zeichnungen und Fotos zufällig aus der Natur stammen, die mich umgibt.
Die gleiche Methode wird im großen Gemälde Wasserfall verwendet, aber in diesem Gemälde ist die Methode aufgrund einer größeren Menge an aufgetragener Farbe und des freieren Ansatzes, den man bei der Malerei auf einer großen Leinwand haben kann, nicht so sichtbar, das Gefühl, dass man fast in das Gemälde hineingehen könnte.

Licht und Dunkelheit
Als Maler interessiert man sich in den meisten Fällen für Licht, wie man Licht mit Farben erzeugt. Ich war so sehr am Licht interessiert, dass ich anfing, Licht selbst zu verwenden, indem ich Neonlicht in meinen skulpturalen Arbeiten verwendete. Das mache ich nicht mehr, bin aber immer noch sehr daran interessiert, Licht mit anderen Techniken innerhalb der Malerei zu erzeugen. Eines Tages am Strand, als ich die Reflexionen im silbernen Meer beobachtete, entschied ich mich, Silberlack zusammen mit sehr matten dunklen Farben oder anderen Materialien zu verwenden, um die Reflexionen und Kontraste zu schaffen, die ich im Wasser sah. Ich habe eine Serie kleiner Gemälde gemacht, bei denen Silber-, Kupfer- und Goldlack zusammen mit matten Farben oder sogar Flocken verwendet werden, um den Eindruck von reflektierendem Wasser oder Licht zu erzeugen. Ich habe sie ziemlich klein gemacht, und die Motive sind Wasser oder andere reflektierende Oberflächen; sie sind auch von fotografischen Farbnegativen inspiriert, insbesondere von solchen auf Kupferlack, die eine Skispur und einen kleinen Wasserfall darstellen. Die einzige Ausnahme vom Naturthema ist diejenige, die Skirt heißt, bei der es sich um ein Spiel mit Pinselstrichen in den dunklen Teilen und nur einen kleinen glänzenden goldenen Teil handelt.

Perinaldo, Italien 14/03/2024 Joakim Allgulander